全球最顶级的⼗⼤建筑设计师
⼤师与普通建筑师的区别往往在于他们超前的理念和独树⼀帜的风格。建筑是时代的镜⼦，我们在《⼗位世界顶尖建筑设计师》专题中选择了⼗位当代全球最活跃、最重要的建筑设计师，他们设计了21世纪最为震撼、最具有表现⼒的建筑。物质是易变的，只有精神才是永恒的。通过欣赏这⼗位建筑师的作品，逼迫我们去回过头，去重新思考这个世界，去认识什么才是真正的建筑。每⼀个建筑师都没有办法回避⼀个基本的问题：什么是建筑？
保护环境的作文戴帆（Dai Fan）
戴帆 : 最前卫、当代影响⼒最为⼴泛的明星建筑师
“颠覆坚固之价值的冲动点燃了建筑。”
——戴帆
戴帆与DESTROY建筑事务所以设计具有深刻的哲思⼯程结构与震撼的建筑享誉世界，⽤极具独创性的建筑形态来向世⼈展⽰其⾮凡的艺术创造⼒和空间想像⼒。戴帆⽬前⼯作于纽约和北京，致⼒于探求与其时代精神相呼应的建筑表达的新形式，⼯作领域涉及建筑设计、结构及⼟⽊⼯程、⼯程设计、城市设计和规划、景观设计、环境美术、项⽬管理和城市战略研究等⽅⾯。他设计的建筑充满深奥、宏伟、怪
诞、神圣、科幻的感觉，其建筑语⾔、构思的独创性以及特殊的建筑风格使其在瞬息万变的建筑潮流中始终成为全球关注的焦点。
戴帆（Dai Fan）
戴帆是当代知名度最⾼、影响⼒最为⼴泛的建筑师之⼀，曾⼊选美国福布斯设计榜单，荣获亚洲设计⼤奖、环球设计⼤奖等⼏⼗个国际⼤奖，近年担任全球设计奖评委、亚太建筑空间⼤奖等⼀系列国际⼤奖评委。随着太空时代的到来与深⼊向前发展， “⼈类纪”迫切需要创建宇宙时代的建筑创作原则与建筑美学，未来以某种隐匿的⽅式写在现在发⽣在我们周围的事件之中。把⾮⼈的因素和推理的因素混合起来。他构建了⼀个不可思议的宇宙，关于⼀个时代的建造神话，展现了⼀种溢满新奇和神秘的建筑空间魅⼒。戴帆的代表作品有法国巴黎FA PARIS，美国佛罗⾥达州 Florida Art Museum ，马来西亚吉隆坡200⽶⾼的东⽅运营中⼼（East Operation Center），中国⼭西⼤同造园中国造园（Chinese Garden）。
东⽅运营中⼼(East Operation Center) 马来西亚吉隆坡
东⽅运营中⼼（East Operation Center）马来西亚吉隆坡
戴帆的建筑对最尖端、最不可捉摸、最遥远、最疯狂、最不可预测、最复杂的未知进⾏编码，极其独
特，超乎常规，保持独树⼀帜的设计理念，其所设计的建筑⼤胆奇异，造型丰富，构思巧妙，可以说是惊世之奇迹。作品包括美术馆、博物馆、⾳乐厅、学校、科技中⼼、学术机构、商业综合体、酒店、机场、宾馆、写字楼、体育场、桥梁、多功能交通中⼼等类型。观看戴帆建筑的⼈，往往第⼀瞬间，就被眼前深邃的场景所吸引。戴帆通过构造宇宙与空间的关系，让整个建筑呈现出⼀种不稳定性，那些物体似乎交替地存在于过去、现在和未来，努⼒地在时空中寻着⾃⼰的位置，并向观众发出诘问：没有了建筑之后的世界，会是什么样的？空间壮丽⽽⽆穷⽆尽地纠缠在⼀起，闪闪发光，⼜永远幻术般地交替变换，彻底搅动着城市的天际线。疫情什么时候才能结束
《进化⽣态学：⾮⼈理论与神秘⾃然学》在美国德克萨斯州泰勒市占地⾯积400公顷的“太空城”（项⽬范围涵盖城市规划、交通建筑、会展建筑、办公建筑、城市综合体、体育建筑、酒店建筑、教育建筑）的城市规划与建筑设计，此项⽬为运⽤“⼈类纪”的种种思想设计城市与建筑概念的尝试，DESTROY建筑事务开创了宇宙建筑设计的新时代。宇宙发射出的思考与⾮⼈类的语⾔螺旋构成了⼀个复像的空间，⼀个拟像的空⽳，建筑由此既与⼈⽆关，也与符号⽆关，建筑的有效性不仅源于它的语境，也源于⼀种虚拟的扩张，这样的扩张在⼀个和它相同的层⾯上，在⼀个任意散步的阵列中展开，这⽆疑是当代建筑的依旧隐秘的位置，⼀个罕见的有所发现的建筑，建筑既不关注⼈，也不关注风格，在那⾥，思考建筑的⽅向被魔⿁的法术所迷惑，⽽希腊⼈恐惧背着⼸的诸神的闪耀在场。
《结构：毁灭的象征学》戴帆试图突破⼈类中⼼主义的窠⾅来重新思索建筑的开放的共造⽹络；
从物本体的⾓度来思索建筑；世界终结后的⽣态学将思索的视界从⽣命转向宏⼤的宇宙，在物种灭绝乃⾄“世界终结”的末世背景之下极
来思索建筑；世界终结后的⽣态学将思索的视界从⽣命转向宏⼤的宇宙，在物种灭绝乃⾄“世界终结”的末世背景之下极端地反思⽣命的根本困境。宇宙本⾝就是噪⾳、⾳乐、表演、戏剧，把⾃⼰同时实现为事物和虚幻的事物，并因此不但成为事物，但⼜要成为空洞和虚⽆，那时绝对饱满的绝对空虚，最后还要作为有⽆缠绕循环众的眩晕。戴帆（DAI FAN）的代表作品有:1.⽐沉睡更久远的残骸（A Longer Wreck Than A Sleepy）2. 站在惊奇之巅（On the Heights of Surprise）3. 进化的崇拜 : 存在偏爱在⾮存在之上（The Worship Of Evolution : The Preference For Existence Over Non - existence）4.猎户座的第七次闪耀（The Seventh Shining of Orion）5. 宇宙幽灵 : 恐惧与颤栗，建筑解剖，分解抑郁的想法和畸形的灵感遗产（Cosmic Phantoms : Fear And Thrill, Architectural Anatomy, The Idea Of Decomposing Depression And The Degenerate Inspirational legacy ）。戴帆的建筑犹如漩涡中 “神秘⽣物”进⼊未知。在充分刺激下，空间的本能达到⾼潮，建筑的向天空的扩张，伴随着液体飞速的喷出、结构的强烈勃动以及全⾝肌⾁的痉挛，能让宇宙真切地感受到能量的全部美感和⽆穷的魔⼒，⽽此刻建筑所表现的勃勃⽣机和震撼的⼒量，也会让宇宙为之⼼仪不已。太阳和星稳定地围绕着⼀个中⼼旋转的话，那么这我们存在于其中的宇宙整个的就是众星球的漩涡所是之物就此看来，事情并⾮如此：星的漩涡像是⼀朵绽放的鲜花。破坏、违抗、折射、衍射、中断，
然⽽另⼀⽅⾯，意义已经开始在这⾥离析、退化、消失：过多的分割、割断、隔离镜头。阳系将星球的漩涡加⼊了核⼼星体的旋转：这些星球⾃⾝旋转着，有时有光环或卫星相伴。⼀种特异形式把宇宙“⿊暗化”了，或说探讨了“⿊暗化”的宇宙，回应那个结合
了“⿊”和“⽣态学”的新词、新概念的咒语关涉深渊⼒量⽅⾯，建筑使⼈们能够真正超越⾃然的表述模式，⾼潮描述为“温暖的、易痒的、电击样的和尖锐的”；是“深层的、悸动的、抚慰的和舒适的”。⾸先，它假定了⼈空间存在着⼀种不可抗拒的过度，这种过度驱使⼈进⾏毁灭，并让他和⼀切诞⽣、成长、努⼒持存的事物的不断的、不可避免的湮灭融为⼀体。地球的确会因建筑的涌⼊⽽激起亢奋，这在⽣理上⽆法解释，却与⼼理相关。因此，有⼈说，与其说建筑在空间喷射中冲击的是宇宙的阴道穹窿，不如说那浓于虚空的建筑的精华滋润的是⼈类整个⾝⼼的世界。宇宙以某种超级谵妄的系统性意志，把疯癫和异想推⾄极端，使它成为有意识的⾏为，直到成为⼀种世界的总体经验：宇宙变成了⼈类的极限碰撞。庞⼤之物，崇⾼之物，不可思索之物借助于建筑存在的惊⼈⼒量——⼀种真实的、绝对遥远的、若隐若现的、⽆形的在场⼀种不可避免的宿命，⼀种必然的规律，⼀种平静的⽆穷的不可测的奇特的⼒量。
贝⾀铭 (Ieoh Ming Pei)
贝⾀铭 : 世界因他的建筑⽽变得更美
“让光线来作设计。”
——贝⾀铭
贝⾀铭 (Ieoh Ming Pei)
贝⾀铭，美籍华⼈建筑师，1917年4⽉26⽇⽣于⼴州，他的祖辈是苏州望族，他曾在家族拥有的苏州园林狮⼦林⾥度过了童年的⼀段时光。其⽗是中国银⾏创始⼈之⼀贝祖怡。10岁随⽗亲来到上海，18岁到美国，先后在⿇省理⼯学院和哈佛⼤学学习建筑，于1955年建⽴建筑事务所,1990年退休。作为最后⼀个现代主义建筑“⼤师”，他被⼈描述成为⼀个注重于抽象形式的建筑师。他喜好的材料包括⽯材、混凝⼟、玻璃和钢。作为20世纪世界最成功的建筑师之⼀，贝⾀铭设计了⼤量的划时代建筑。美国全国建筑学院继1979年向贝⾀铭颁发了⾦质奖章之后，1983年，他获得了建筑界的“诺贝尔奖”——普⾥茨克建筑奖。总部设在纽约的“亚洲协会”向他颁奖，表彰他为中国和其他亚洲国家设计的形式多样、宏伟壮丽的建筑物，有助于增进美国与亚洲国家之间的了解。上海同济⼤学授予他“名誉教授”的称号。贝⾀铭被称为“美国历史上前所未有的最优秀的建筑家”。
贝⾀铭从来不是孤傲的设计师，他的建筑⽣涯中⼀只⼿握着他的才华与奋⽃，⼀只⼿握着他卓越的交际⼿腕，头顶还笼罩着中国旧时代贵族的光环。他作为⼀名建筑师，游⾛在政界与名流之间。有些⼈认为他圆滑世故，可他或许到了建筑设计在现代社会中最好的表达⽅式。建筑需要运作⼤量的社会
财富，尤其是公共建筑要对⼴⼤的受众负责，建筑师应具备⼀种强⼤的⾃信与打动⼈的⼒量，建筑师不仅仅只是负责在图纸上实现⼀座建筑的设计，也需要把控⼈与⼈之间的交流。
贝⾀铭建筑有以下⼏个特点：
光线特点：光是建筑的⾊彩，“让光线来作设计”是贝⽒的名⾔。在他的作品中光与空间的结合，使得空间变化万端，巴黎卢浮宫⾦字塔的⼊⼝把⼤量的光线引⼊死⽓沉沉的博物馆，让过去的历史晒晒今天的太阳。“光很重要。没有了光的变幻，形态便失去了⽣⽓，空间便显得⽆⼒。”光是贝⾀铭在开始⼀项建筑时⾸先考虑的问题。玻璃与钢材：由于玻璃⾃⾝的特性€€€€透明、反射，并且玻璃透明不⾄于遮挡减损原建筑物的⽴⾯，不仅符合贝⽒对阳光的追求，更能够从视觉上以及空间原理上使得原有的建筑不会被削弱，并且能使设计者的建筑思想得到充分表现，加上光线和⼈的运动，整个空间被赋予了活⼒。混凝⼟：贝⽒注重于混凝⼟的研究, 挖掘它的受⼒特征与视觉表现⼒, 在建筑设计中将结构与装
临江之麋翻译整个空间被赋予了活⼒。混凝⼟：贝⽒注重于混凝⼟的研究, 挖掘它的受⼒特征与视觉表现⼒, 在建筑设计中将结构与装饰融为⼀体, 忠实于材料的质感表现⼒, 从⽽将对混凝⼟的应⽤推到⼀个新的⾼度。其中最为典型的就是伊弗森美术馆内庭的螺旋梯，我们完全可以将之视为⼀座可以供⼈上下⾏⾛的雕塑。⼏何：贝⾀铭在发展现代主义建筑的⼏何构成上作出了不朽的贡献。贝以他丰富多彩的建筑作品,
向⼈们表明, 现代主义仍是有活⼒的, 它决不是⼀种机械主义, ⽽是同样可以呈现多姿多彩的艺术形象。
安藤忠雄(Tadao Ando)
安藤忠雄 : 清⽔混凝⼟诗⼈
“建筑是⼀种媒介，使⼈们去感受⾃然的存在。”
—— 安藤忠雄
安藤忠雄有“清⽔混凝⼟诗⼈”的美誉，不仅是因为他的建筑⼤多采⽤⽔泥为主要材料，风格极简，更重要的是，在这些抽象简约的建筑之内，将光与影的艺术发挥到极致。安藤忠雄是曾获建筑界的诺贝尔奖——普⽴兹克奖的世界⼀流建筑师。他1941年⽣于⽇本⼤阪府。1969年成⽴安藤忠雄建筑研究所。致⼒于与环境协调的过程中对建筑存在⽅式的新提案。1969年在⼤阪成⽴安藤忠雄建筑研究所，设计了许多个⼈住宅。其中位在⼤阪的“住吉的长屋”获得很⾼的评价。1980年代在关西周边设计了许多商业设施、寺庙、教会等。1990年代之后公共建筑、美术馆，和海外的建筑设计案开始增加。
安藤忠雄因其对混凝⼟⾮凡的使⽤，天然光感性的对待以及⾃然的强烈引⼊受到⾼度认可。基于⽇本⼤阪市，安腾克⼰⽽⼜丰富的当代主义的远见与⽇本传统建筑的概念产⽣共鸣，并且常被称为“地域批
判主义”。安腾的建筑从简单的⼏何形状与复杂的三维循环对⽐得出其形式，反映了他渴望他的建筑的是⼀个⾝临其境的物理体验。他对⾃⼰的设计之道做出了如下解释，“当我设计建筑时，我认为整体的组成，就像⾝体的部分会结合在⼀起的⼀样。重要的是，我常常思考⼈们怎样去接触⼀个建筑并且去感受这个空间。如果你给⼈们⼀⽚虚⽆，他们会去思考能从虚⽆⾥得到什么。当今世界最为活跃、最具影响⼒的建筑⼤师之⼀。他⾃学成才成为建筑⼤师。30多年的时间⾥，创作了近150项国际知名的建筑作品，是⽇本第三位获得普利策奖的⽇本建筑师。安藤开创了⼀套独特的建筑风格，他⽤清⽔混凝⼟材料以及简约的⼏何构成，营造出静谧、明朗的空间效果，为传统的⽇本建筑设计带来划时代的启迪。
安藤的建筑⼀直是对现代主义的批判。他借⽤了现代主义的形式，并对整个现代主义进⾏批判改造。安藤运⽤现代主义的材料、语汇以及在建筑中具社会影响⼒的教条，向机能主义偏执的思潮进攻。安藤反机能主义，是对于具有空调和户户相对建筑的⽴⾯，他认为这种舒适建筑切割了⼈和⾃然的联系。对安藤来说，建筑是⼈与⾃然之间的中介，是⼀脆弱的、理性的庇护所。
安藤相信构成建筑必须具备三要素：
第⼀要素是可靠的材料，就是真材实料；这真材实料可以是如纯粹朴实的⽔泥，或未刷漆的⽊头等物质。第⼆因素是正宗完全的⼏何形式，这种形式为建筑提供基础和框架，使建筑展现于世⼈⾯前；它
可能是⼀个主观设想的物体，也常常是⼀个三度空间结构的物体。当⼏何图形在建筑中运⽤时，建筑形体在整个⾃然中的地位就可很清楚的跳脱界定，⾃然和⼏何产⽣互动。⼏何形体构成了整体的框架，也成为周围环境景⾊的屏幕，⼈们在上⾯⾏⾛、停留、不遇期的邂逅，甚⾄可以和光的表达有密切的联系。借由光的影⼦阅读出空间疏密的分布层次。经过这样处理，⾃然与建筑既对⽴⼜并存。最后⼀个因素是”⾃然”；在这⼉所指的⾃然并⾮是原始的⾃然，⽽是⼈所安排过的⼀种⽆序的⾃然或从⾃然中概括⽽来的有序的⾃然－－⼈⼯化⾃然！安藤所谓的⾃然，并⾮泛指植栽化的概念，⽽是指被⼈⼯化的⾃然、或者说是建筑化的⾃然。他认为植栽只不过是对现实的⼀种美化⽅式，仅以造园及其中植物之季节变化作为象征的⼿段极为粗糙。抽象化的光、⽔、风。这样的⾃然是由素材与以⼏何为基础的建筑体同时被导⼊所共同呈现的。
雷姆·库哈斯（Rem Koolhaas）
雷姆·库哈斯 : 世界上最具争议的建筑师
“建筑是⼀种冒险。”
——雷姆·库哈斯
雷姆·库哈斯1944年⽣于⿅特丹，幼年在印度尼西亚度过，后来移居阿姆斯特丹，曾经做过记者和电
今年最后一天的总结说说影剧本撰稿⼈。库哈斯曾在伦敦建筑联合学院、美国康奈尔⼤学学习建筑。在伦敦创⽴了荷兰⼤都会建筑事务所(Office For Metropolitan Architecture，简称为OMA)，进⾏全世界各地的建筑设计与城市规划。⽬前，OMA的总部设在荷兰⿅特丹，库哈斯⽬前是OMA的⾸席设计师、哈佛⼤学教授。近年来，他⼜成⽴了AMO以研究OMA。1988年，纽约现代艺术博物馆举办了包括库哈斯在内的“解构建筑七⼈展”。1995年，库哈斯成为纽约现代艺术博物馆年度回顾展的主题，展览的题⽬是“雷姆.库哈斯和公共建筑空间”。2000年5⽉，库哈斯被授予第22届普利兹克建筑奖。如今库哈斯设计的建筑遍布全球，例如北京的CCTV⼤楼（CCTV Headquarters）、De Rotterdam综合性⼤楼、康奈尔⼤学内的Millstein⼤厅（Millstein Hall）以及Prada基⾦会⽶兰新总部（Fondazione Prada）。
库哈斯被称为”世界上最具争议的建筑师“，甚⾄是”反建筑的建筑师“，但这些称呼⽆法看透这位⼤师下⼀步将要探索怎样的建筑形式，也⽆法预知他能有多⼤的构思。
库哈斯的理论和他激进的⽅案⼀样著名，他已经成为了现代最有影响⼒的建筑师。从他最早期的彩⾊时期开始，库哈斯经历了肮脏现实主义、解构主义以及商业实⽤主义，他将 Leonidov 与 Le Corbusier 相嫁接，将摇摆的五⼗年代和枯燥的六⼗年代相混合，联系起了实⽤主义的图解和雕塑般的体量，最终来到了历史遗产、⽣态学和可持续的领域、元素和其组成规律的问题。
“从他最早期的彩⾊时期开始，库哈斯经历了肮脏现实主义、解构主义以及商业实⽤主义，他将 Leoni
dov 与 Le Corbusier 相嫁接，将摇摆的五⼗年代和枯燥的六⼗年代相混合，联系起了实⽤主义的图解和雕塑般的体量，最终来到了历史遗产、⽣态学和可持续的领域、元素和其组成规律的问题。伴随着这种转换的是⼀种对思考的热诚、艺术上的先进性以及宏⼤的视野，能够从建筑的问题转换到⼟地的问题。⽽在他的作品之中，表达了对于现实的理性以及对于现存事物批判性的接受，伴随着对于图像刺激、简洁的装饰以及挑战传统的追求。库哈斯的建筑常常有着简单却惊世骇俗的外表。就像建筑师事务所名称所暗⽰的那样，他的建筑“类型”最终取决于城市的上下⽂，在都市语境之中“它们”（⽽不是“它”）才有⾃⼰的意义，它的建筑类型学是城市-建筑的类型学。
然⽽，库哈斯对⽂化景观最富于挑衅性的，并且在许多⽅⾯最少被理解的，是他作为⼀个城市思想家的贡献。从勒-柯布西耶（Le Corbusier）在上个世纪⼆⼗年代和三⼗年代绘制他的现代主义城市观景以来，还没有⼀个建筑师覆盖如此多的领域。库哈斯在世界各地寻业务，在这个过程中，他写作了6本关于当代⼤都会发展的书籍，并且为巴黎郊区、利⽐亚沙漠和⾹港做了总体规划。哈斯开始解决表⾯上的⽭盾：尽管⾃⼰是⼀个建筑师（或者说是最好的建筑师之⼀），但是库哈斯的最终⽬的是进⼀步钻研“建筑是什么”，甚⾄超越建筑的范畴。这就是为什么库哈斯将其⼯作重⼼分裂成两部分。AMO和OMA事务所，它们俩就如同镜像。OMA有其设计的创新性，在当时还相当传统的建筑氛围中进⾏建筑设计并解决因此出现的问题。⽽事实上，库哈斯的名⽓来⾃于他的建筑⾥能满⾜居民需要的如同天才般与众不同的空间布局。例如库哈斯设计的西雅图公共图书馆。这个建筑不仅仅是纯粹的⼀
个容纳未来知识的建筑，它以⼀个具有冲击性⼜合乎逻辑的结构，带出⼀个以书为本的态度：它与其说是⼀个激进的改造，不如说是对传统的“重新解释”。
让•努维尔(Jean Nouvel)
让•努维尔：建筑成为让•努维尔征服世界的独特⽅式。
“我毕⽣都在与平庸的建筑抗争、为不同的建筑⽽战⽃，每⼀项⼯程都是⼀次历险。”
—— 让•努维尔(Jean Nouvel)
让•努维尔(Jean Nouvel)是法国当代著名建筑师之⼀，1945年出⽣在法国的西南部阿基坦⼤区洛特-加龙省的菲梅勒。他在巴黎法国巴黎国⽴⾼等美术学院学习。在他建筑师⽣涯中他获得了⼀系列有权威性的奖赏，包括阿卡汗奖、2005年沃尔夫艺术奖和2008年普利兹克奖。他综合采⽤钢同玻璃，熟练的运⽤光作为造型要素，使作品充满了魅⼒。他认为建筑设计的过程更多的是适⽤外部⾃然、城市、社会条件的结果。在许多可以描述建筑师让努维尔职业⽣涯的词汇中，最重要的是强调那些他勇敢追求新思想和他挑战公认的规范，以延伸领域的界限的词汇。在过去的30年⾥，努维尔把结构的话语和实践推向⼀个新⾼度。他并不在意已经获得的不同程度的成功，他好奇和敏捷的思维推动着他承担每个项⽬的风险，并且极⼤地扩⼤了当代建筑的词汇。
他喜欢断裂的规模和形式，将观众从⼀个美感之中移动到另⼀个美感之中。操纵光和透明层与不透明性是努维尔作品中不断出现的主题。他的研究所(阿拉伯世界研究所),1987年在巴黎建造，设计可调节透光⾦属丝框嵌⼊其朝南玻璃⽴⾯从⽽控制室内光线，这是对传统阿拉伯格⼦的现代应⽤。对于努维尔来说，建筑先天是没有风格这⼀说的。相反，语境在最⼴泛的意义上被译为⽂化、位置，项⽬和客户。这使得他对每个项⽬制定不同的策略。努维尔擅长⽤钢、玻璃以及光创造
泛的意义上被译为⽂化、位置，项⽬和客户。这使得他对每个项⽬制定不同的策略。努维尔擅长⽤钢、玻璃以及光创造新颖的、符合建筑基地环境和⽂脉要求的建筑形象。努维尔⾮常善于创作都市题材的建筑，在限制繁多且苛刻的城市中，他钟情于使⽤玻璃进⾏罩⾯。
过去的三⼗年间，让•努维尔已将建筑的理论和实践推向了⼀个新的⾼度，他把好奇、敏锐的冒险态度带⼊每个项⽬中，使现代建筑领域不仅有了更多的成功案例，还极⼤扩展了现代建筑的语汇。” 建筑成为让•努维尔征服世界的独特⽅式。1987 年，阿拉伯世界⽂化中⼼正式开放。这成为努维尔最成功的处⼥秀。“我总是在设计不同的建筑，从不使⽤相似的语汇，”努维尔说，“但我的设计态度从未改变，我关⼼的价值从未改变，建筑是时代的缩影，这是我对建筑的定义。”让·努维尔在过去30年中推动建筑理论、实践实现了新的突破。他好奇⽽敏捷的思维促使他⼤胆地设计每⼀件作品。这些作品获得了不同程度的成功，丰富了现代建筑的内涵。
玩小女孩的经典说说⼤师与普通建筑师的区别往往在于他们超前的理念和独树⼀帜的见解。努维尔便是其中“不⾛寻常路”的⼀个典范。他⼤量采⽤玻璃和钢材，充分利⽤⾃然光和阴影，让建筑作品充满魅⼒。有评论说：“努维尔的建筑不受先⼊为主的‘风格’约束。”从美国明尼阿波利斯的格思⾥剧院到阿联酋阿布扎⽐卢浮宫博物馆等风格迥异的作品都印证了这⼀点。努维尔说，每当他⾯对⼀个全新项⽬，便要清空头脑中有关之前⼀个设计的思路。他说：“我毕⽣都在与平庸的建筑抗争、为不同的建筑⽽战⽃，每⼀项⼯程都是⼀次历险。”
王澍（Wang Shu）饭团制作方法
王澍 : 像写诗⼀样造房⼦
“造房⼦，就是造⼀个世界。”
—— 王澍
王澍,⽣于1963年11⽉，现任中国美术学院建筑艺术学院院长、博⼠⽣导师、建筑学学科带头⼈、浙江省⾼校中青年学科带头⼈。1985年，王澍毕业于南京⼯学院（今东南⼤学）建筑系，获学⼠学位；1988年毕业于东南⼤学建筑研究所，获硕⼠学位；1988年⾄1995年在浙江美术学院（今中国美术学院）⼯作。2000年王澍获同济⼤学建筑学博⼠学位。2012年2⽉27⽇，王澍获得了2012年普⾥兹克建
筑奖，成为获得这项殊荣的第⼀个中国公民。这⼀代表全球建筑领域最⾼荣誉可以说是中国建筑⾏业的⾄上光荣。
园林城市和园林建筑的营造⼀直是王澍梦寐以求的，⽽象⼭校区正好实现和满⾜了他多年来的夙愿。这是⼀个⼈的、⼈⽂理想主义的校园规划和校园营造，两期营造环绕了象⼭，呈散点状分布⼭野间，随意⽽⾃然，没有刻意设计的建筑形象，也没有着意营造的中⼼校区，校区是铺展于象⼭脚下的园林城市。回望中国传统园林院落式的⼤学建筑原型，象⼭新校园最终呈现为⼀系列“⾯⼭⽽营”的差异性院落格局。建筑敏感的随⼭⽔扭转偏斜，场地原有的农地、溪流和鱼塘被⼩⼼保持，中国传统园林的精致诗意与空间语⾔被探索性的转化为⼤尺度的淳朴⽥园。那些校园建筑因此不是孤⽴的设计出来，⽽是在“⾃然”与“城市”之间的思考中显现出来。在中国的建筑传统中，这样的建筑被称为“园林”。这个词⽆法⽤西语的“花园”去翻译，它特指“⾃然”被置⼊“城市”，⽽城市建筑因此发⽣某种质变，呈现为半建筑半⾃然的形态。如
果“⾃然”是⼀端，建筑师思考的另⼀端就是“城市”，⼀系列似乎在等待某种事件突发的⼩场所，似乎有点散漫，甚⾄没有⼀个严格的结构，但真正的⽣活才可能在这⾥放松的发⽣。建筑产⽣了檐下、洞内、飞道、屋顶下沉院落、屋顶平台、树下、⽥间、河边等多样性的教学交流空间，在这⾥，学院教育最重要的就是⼼灵的⾃由。
对于王澍⽽⾔，他的作品中运⽤中国传统的材料和符号不仅仅是具有东⽅⾊彩纯形式的东西，⽐如他著名的作品“宁波博物馆”、“中国美术学院象⼭校区”等，基本都遵循“疏密得宜、曲折尽致、眼前有景”的中式建造标准，造型独特、形式新颖、功能齐全，颇具中国传统建筑的韵味，给⼈⽿⽬⼀新的感觉。传统的乡村有着深厚的⽂化积淀，是活着的历史。有关现在和过去的适当关系问题，王澍提出的⾮常及时，因为中国最近的城市化过程引起争议：建筑是应当以传统为基础还是应当展望未来。王澍，作为活跃在中国建筑第⼀线的建筑⼤师，他的作品总是能够带给世⼈⽿⽬⼀新的感觉，即使是对那些建筑司空见惯的⼈⽽⾔。凭着对项⽬场地的独特见解，对中国传统⽂化在建筑中的⾼超表达，以及对不同建筑材料组合的巧妙把握，使得王澍的作品有着⼀种独特的象征性和延续性。
雅克•赫尔佐格＋⽪埃尔•德梅隆（Jacques Herzog ＋Pierre de Meuron）
雅克•赫尔佐格＋⽪埃尔•德梅隆 : 技术与形式完美结合的明星建筑师
“建筑是⾮常古⽼的存在形式；你可以⽤眼睛看，⽤⿐⼦闻，你可以触碰它，也可以倾听它——就像是⾃然。它有⾮常感性的⼀⾯，与此同时它还⿎励你思考。我们把艺术和建筑都视作感知和反思的⼯具。两个学科都可以在观众和使⽤者那⾥激发出⼀种创造性的，甚⾄是情欲（erotic）的能量。这是⼀种⽆与伦⽐的、强⼤的能量，超越了任何道德⽴场和
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